三浦篤『エドゥアール・マネ』（角川選書）を読む。すばらしい本だ。副題が「西洋絵画史の革命」とあり、マネこそが伝統絵画を引き継いで大きく展開し、現代にいたる流れを作った革新的な画家だと主張している。読後それがほぼ納得できたように思う。

　三浦は本書を３つに分けて、「過去からマネへ」「マネと〈現在〉」「マネから未来へ」と書き継ぐ。マネは伝統絵画を学びそれを換骨奪胎して自分の作品を作り上げる。三浦がそれらを一つ一つ指摘していく。

マネの《草上の昼食（水浴）》の人物像はラファエロの失われたデッサンを基にライモンディが版画化した《パリスの審判》から採られている。またジョルジオーネが構想しティツィアーノが完成した《田園の奏楽》も参考にしている。マネの《オランピア》はティツィアーノの《ウルビーノのヴィーナス》を基にしていることは明白だし、またゴヤの《1808年５月３日、プリンシペ・ピオの丘での銃殺》を基にマネは《皇帝マクシミリアンの処刑》を描いている。マネの《バルコニー》はゴヤの《バルコニーのマハたち》を参照して描かれている。

　重要なのはベラスケスで、マネの《悲劇俳優》も《笛吹き》もベラスケスの《道化師パブロ・デ・バリャドリード》から強い影響を受けている。どちらもベラスケスに倣って背景が消えている。《笛吹き》を三浦は、マネによるベラスケスとジャポニスムの独自な融合の成果と呼ぶ。さらにマネの《フォリー＝ベルジュールのバー》をベラスケスの《ラス・メニーナス》と比較する。そしてマネのその作品を「遠近法空間のゆがみに時間の複数性が重なることによって、古典的な現実表象が根本から崩壊しつつある絵画ととらえることができよう」とまで言う。

　さらに水浴図におけるルーベンスのポーズの借用などなど。マネはオールドマスターたちからテーマ、構図、モチーフ、色彩、筆触等々を摂取し、現代的な文脈に置き直して見せた、と。

　「マネと〈現代〉」では、マネは当時のパリを主題にしていたと言う。テュイルリー公園の音楽会や気球、酒場の歌手、鉄道、万国博覧会、浮浪者、競馬などが描かれる。この章の最後に三浦が書く。

　マネは決して過去と断絶して新しい絵画を創出したのではない。複製イメージが氾濫する時代に西洋美術の歴史を集約し、内実を無化することによって、絵画の規則を侵犯するアナーキーな芸術世界への扉を決定的に開いたのである。社会学者ピエール・ブルデューの言に従えば、マネとともに規範的価値の喪失事態を制度化する「象徴革命」が達成されたのであり、逸脱する過激な前衛を正統と見なすような「モダニズム」の歴史の起点が打ち立てられたのである。しかしながら、マネが始動させたものは、我々が通常考えているよりもはるかに大きく広がり、19世紀後半から20世紀にかけての全西洋絵画史を貫いている。

　マネはモネやドガらと親しく付き合ったが、印象派の画家ではない。基本的に印象派がある瞬間の視覚的なヴィジョンを捉えるのに対し、マネは特殊の相に留まることなく、常にある種の典型化を志向する。セザンヌはマネの裸婦像から強い影響を受けている。さらにセザンヌの静物画でテーブルの線が左右でつながらないのも、水平に近い視線と見下ろした視線が混在しているのも、実はマネが先に採用して描いていた。そこからキュビスムへとつながっている。ゴーガンもマネの《オランピア》を模写し、タヒチでベッドに寝そべる裸婦を描いている。

　三浦はマティスの《コリウールのフランス窓》は、マネの《バルコニー》から人物を除いたものだという。マグリットはマネの《バルコニー》の人物を棺桶に変換している。ピカソもマネの作品を多く変奏している。

　さらに三浦は主張する。「絵画は物語を表したり、現実を描写したりするだけでなく、何よりも既存のイメージを操作して、新しいイメージを作り出す自由な行為であることを明確に示した。端的に言えば、絵画史を踏まえ、そこから作品を生み出す方向に大きく舵を切ることによって、絵画自体の在り方を本質的に変えてしまったのである」と。

　さらにデュシャンを引いて、「絵を描くときには物語性も、道徳的判断も、感情表現も不要であり、現実は再現するものではなく、カンヴァスの上に絵具で作り出すものであることを、マネは実践していった」。そして、感覚的、表層的な絵画という快楽主義的な側面を有しているとして、その延長線上にポップ・アートも位置していると言う。

　1983年にマネの死後100年を記念する大回顧展がパリとニューヨークで開かれた。その展覧会でもっとも参照頻度が高かったのが《オランピア》だった。

……この絵が20世紀になって近代絵画のイコンとしての存在感を次第に増していった状況が推察できる。伝統絵画の中核にあった裸体画の約束事から脱して、近代都市の売春婦を表す卑俗な主題と現実性。そして、3次元の空間性や事物の描写から、2次元の平面性、色彩や筆触など純粋に絵画的な要素へと重心を移した造形性。この二重の近代性（モデルニテ）によって《オランピア》は美術史の大転換を画した絵と見なされていたのである。

　すばらしいマネ論だと思う。12月16日付の毎日新聞「2018この3冊」にも、山崎正和が本書を取り上げて、次のように書いている。

西洋古典絵画史はマネに終わり、現代絵画史はマネに始まるという新説は、「メタ絵画」の概念の提唱とともにそれこそ革命的だが、練達の文章がその正しさを納得させる。フランス語での出版が切望される世界規模の傑作。

　「世界規模の傑作」と山崎正和が言うのだからその通りなのだろう。

　東京銀座の藍画廊で亀山尚子展が開かれている（12月22日まで）。亀山尚子は1970年静岡県生まれ、1995年に武蔵野美術大学大学院を修了している。大学院在学中の1994年に東京芸術劇場展示室で初個展を開いた。初個展から非凡な作家だった。その後、藍画廊を主に、また23ギャラリーやガレリアキマイラで個展を開き、VOCA展にも選ばれている。

　亀山の個展は3年前の藍画廊以来だ。初期の頃の寒色系の色彩で抽象的な形から、近年は暖色系の色彩も使い植物のイメージも取り上げている。育児のため一時休止していた個展を再開してから植物のイメージが現れ、暖色系を使うようになった。この変化について、同じく育児を経験した丸野由希子と話したとき、丸野に「出産と育児を経験すると、抽象作品を作っている女性作家は色彩に暖色系が増え、植物などの形が画面に現れる傾向があるように思う」と言うと、丸野さんが、育児をすると子どもと一緒になって草花を見たり雲を見たりする、こんな小さな花が咲いているよと子どもに見せたくなる、それで画面に具体的な植物などが現れるのでしょうと言われた。

　今回は草花の外に水墨画のような静かな風景が描かれている。総じて亀山の作品に具象的な要素が浸透している印象を受ける。抽象一辺倒だった作家に具象的なものが現れるのを私は何度か見てきた。中津川浩章や浅見貴子、母袋俊也、赤塚祐二らがそうだった。そしてその場合、赤塚以外は成功していると思う。

　亀山の個展は3年ぶりだ。その前は4年ぶりだった。少なくとも2年に1度は発表してほしい。次の個展はぜひ2020年に！

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亀山尚子展

2018年12月17日（月）−12月22日（土）

11：30−19：00（最終日18：00まで）

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藍画廊

東京都中央区銀座1-5-2 西勢ビル２Ｆ

電話03-3567-8777

http://igallery.sakura.ne.jp/

　東京南青山のサイト青山で井上活魂展「平成の貝塚」が開かれている（12月16日まで）。井上に会ったことはないと思うけど、作品は上野桜木の画廊での個展や日本アンデパンダン展で何度か見ている。50代くらいの作家だと思う。

　今回はインスタレーションで、画廊中にプラスチック系のゴミが設置されている。画廊の入口に貼られた文章を写す。

色々な所に、ゴミが出る。

海に山に宇宙に……。都市にも溢れんばかりのゴミ。

プラスチックやペットボトル、用なしの物が……。

特に海の中は最悪らしい。

人間の地球での存在（悪）が露呈されているようで悲しい。

私も毎日のようにコンビニ弁当（プラスチック容器）や

ペットボトルのお茶の世話になっている。

プラスチックやペットボトルが沢山出るので、作品にして展示している。

友人に“平成の貝塚”と言われた。

古代の貝塚と現代の貝塚から、現代人（自分）のことを想う。

　ゴミがぶちまけられたようなインスタレーションは決してきれいではない。だが、確かにこれがわれわれの世界、われわれの生活に違いない。便利できれいな日常生活は、その見えないところにこのようなゴミを隠しているのだということを、井上が告発している。

　世界は確実に壊れていっているのだ。私も含めて皆知らないふりをしている。

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井上活魂展「平成の貝塚」

2018年12月11日（火）〜12月16日（日）

11：00〜19：00（最終日17：00まで）・

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サイト青山

東京都港区南青山2-7-9

電話03-3423-2092

　東京六本木のミッドタウン ガレリア3階にあるインテリアショップTIME & STYLE MIDTOWNで高柳恵里「自明」が開かれている（12月21日まで）。高柳は1962年神奈川県生まれ。1988年に多摩美術大学大学院美術研究科を修了し、1990−1991年イタリア政府給費留学生としてミラノ国立美術学院に留学している。

ここTIME & STYLE MIDTOWNはおしゃれなインテリアショップで店内はかなり広い。ざっと見まわしたが、どれが展示品か分からない。スタッフに高柳さんを見に来たんですがと声をかけると、A3判の印刷された紙を2枚渡された。1枚は店内の配置図で高柳の作品がどこに設置してあるか詳しく記してある。もう1枚には個々の作品の解説が書かれている。

　その一部を写してみる。

インテリアショップでの展示について。

日常的に体験している、実生活と、生活のなかでのデザインへの嗜好とのずれ、インテリアショップ内で起きている演出、そしてイメージや願望を抱くこと、などは現実とどう絡み合うのか。

さて、ここに点在する作品は、どこに位置するものとなるのでしょうか。実用品と非実用品、商品と展示物、使っているのか、使っていないのか。ここにあるいずれのものにも当てはまるとも言えます。この空間のなかで異質な目を引く存在であるとしても、心地よく馴染んでいるとしても、美しい空間が出来上がっているとしても、それは疑似的な出来事かもしれません。（中略）

インテリアショップのなかで、全ての事物が分離して、そして、そこにあるはずの明らかな差異が際立つこと。

作品の有り様は、物事のそれぞれと親密になる一つのきっかけとなるような気もしています。

　展示の配置図を見ながら店内を探して歩き回る。まず入口近くのテーブルに「黒土」が置いてある。園芸店で売っている家庭園芸用のビニールに入った黒土だ。２袋あって、開封されているものと未開封のもの。黒土がテーブルの上に置かれているのは違和感がある。

（写真撮影は許可されなかったので、この写真は店のHPから借用したもの）。

　その横の棚の上に空のガラスコップが置かれている。これについて、

「飲みさしのコップの水はどこに置けるのだろうか」

飲み物を飲んでいる途中に、持っているコップをふと置くことはよくある出来事です。

さてここで、私は、飲みさしのコップの水をどこに置くのでしょうか。

この作品は、展示を考えることについての疑念から始まっています。

　その近くには、三脚にセットされたカメラ、棚に置かれた筆、新品の靴と古い靴、ポツンと置かれた台車。

　また別の棚には、「糸をも」「藁をも」「接地面」と名づけられた小さな作品が置かれている。「糸をも」「藁をも」については、

藁をも掴む、と言いますが、強いのはどちらか、弱いのはどちらか、思えば思うほどどちらとも言えません。

糸くずも、細い針金も、ティッシュもまた…。

　同じく「接地面」について。これはビニールと紙と接着剤でできている。

面と面の連結が意識されている作品。

ささやかな物体の、ささやかな所に、言って見れば大袈裟に「面」を感じ、そこが着地する様子を吟味するようにして出来上がった作品です。

着地するほうも、される方も、強固な状態ではないし、どちらがどちらに着地しているとも言えない状況です。

　ほかに「紙袋」とか「ガラス壺」とか。「紙袋」は実際の紙袋だし、「ガラス壺」は伏せたガラス壺を撮影した写真をインクジェットプリントし額装して壁に展示している。

　いずれもデュシャンのレディーメイド作品同様に、作家がこれが自分の作品だと言明することで作品化している。店内を配置図を見ながら作品を探し回るのは意外にも楽しかった。スタッフに訊ねると高柳の作品を目当てに来る客は１日に２人くらいだと。勿体ない。

　作品の店内配置図（一部）

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高柳恵里「自明」

2018年11月19日（月）−12月21日（金）

11：00−21：00（無休）

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TIME & STYLE MIDTOWN

東京都港区赤坂9−7−4　東京ミッドタウン3階

電話03-5413-3501

http://www.timeandstyle.com

サントリー美術館と同じフロア

　片山杜秀『ベートーヴェンを聴けば世界史がわかる』（文春新書）を読む。これが素晴らしい。片山は近代日本政治思想史の専門家、でありながら音楽評論家としても一流で、音楽に関する著書で吉田秀和賞を受賞している。私も何冊も片山の政治史の本をここで紹介している。『近代日本の右翼思想』（講談社選書メチエ）、『未完のファシズム』（新潮選書）、『見果てぬ夢』（新潮社）、『国の死に方』（新潮社新書）、島薗進との共著で『近代天皇論』（集英社新書）、いずれもすばらしかった。さらに音楽に関するエッセイも何冊もある。

　今回のタイトルは編集者が販売に益するよう付けたものだろう。正確にはヨーロッパ社会がわかればクラシック音楽の変遷がわかる、というような内容。

　クラシック音楽は教会音楽として始まった。ついで王侯貴族が文化の主役となり、次に市場経済が発達して市民階級（ブルジョワ）が王侯貴族の文化を模倣した。市民社会は自分たちも演奏を楽しむようになり、ロマン派の時代となる。大都会では豪華なオペラが全盛を迎えるが、一方教養を高めた市民層はより複雑な音楽を求めていく。グローバリズムが席巻したあとワーグナーが現れて「民族」を説く。しかし２つの大戦は人類に絶大なダメージを与え、音楽は壊れていく。

　神の音楽、グレゴリオ聖歌はモノフォニー（単旋律）で人の声だけ、楽器を伴わなかった。ついでポリフォニー（多声音楽）と楽器が多様化する。教会から世俗へ広がった音楽は巨匠を生む。バッハ、ヘンデル、テレマンらだ。それぞれが活躍した都市の大きさとの関係で彼らの音楽が語られていく。テレマンは当時の国際都市ハンブルグで４千曲以上を作曲した。バッハが活躍したのはドイツの小都市だった。教会の音楽を書いていたが同時代にはそれほど高い評価を受けなかった。バッハはひと時代前の音楽ポリフォニーにこだわっていたから。ヘンデルはロンドンで活躍した。ロンドンは世界的な大都市になっていった。ロンドン市民は社交として合唱を愛好した。ヘンデルは演技を伴わない物語音楽、オラトリオの作曲に力を傾けた。

　ハイドンはハンガリーの大貴族エステルハージ家に雇われる。ハイドンは貴族のためにオペラやシンフォニーを書いた。エステルハージ家では主人とゲストの上流階級のために作曲した。客たちは洗練されていて音楽の微妙な差異も聴き分けた。ハイドンは没落する貴族から去りロンドンに移った。ロンドン市民たちは貴族ほど洗練された耳を持たないので、ハイドンは分かりやすい曲を作りアレンジにも刺激的なけれん味を加える

　ベートーヴェンを語るに際して、片山は３点に要約する。１．わかりやすくしようとする。２．うるさくしようとする。３．新しがる。ベートーヴェンは洗練されていない市民を相手に分かりやすい曲を書く。大きな会場で演奏するので音を大きくする。ベートーヴェンの交響曲は１作ごとに新しい切り口がある。

　市民社会・市場経済はさらに発展していった。大都市の娯楽としてオペラが隆盛した。また教育というジャンルが勃興して楽器を演奏することがブルジョワのたしなみとして普及する。ピアノが発達し、家庭にも普及した。音楽学校ができ、音楽アカデミズムの世界が確立すれば、「閉鎖された専門家の世界が成立」する。市民の側にも「教養市民」が登場し、複雑な音楽を分かる市民は教養人であり高級な存在ということになる。クラシック音楽が難解な音楽というイメージをもつことになる。

　19世紀の最後を飾るにふさわしいワーグナーについて片山が要約する。

　ワーグナーが生まれ、その活動の拠点としたドイツは、資本主義のトップランナーであるイギリスや、革命で「自由・平等・友愛」を掲げ、近代政治思想をリードしたフランスに比べ、明らかに後進的存在でした。ワーグナーはその後進性を逆手に取り、近代と土着を結びつけた新しい民族主義を高らかに歌い上げたのです。これはニーチェなどの思想家のみならず、その後、ナチス・ドイツにも通じる政治思想へ影響を与え、さらには日本など近代に遅れて参加した国々にも大きな影響を及ぼしたと考えてよいと思います。

　その影響圏の広がりは、「市民の時代」の代表ベートーヴェンに匹敵する、まさに桁外れのスケールを持った“怪物”といえるでしょう。

　ワーグナーの後にシュトラウス、マーラー、スクリャービンが続き、またシェーンベルク、ストラヴィンスキー、ラヴェルが語られる。シェーンベルク、ストラヴィンスキー、ラヴェルは第1次世界大戦後の壊れた世界を表現しているという。20世紀のクラシック音楽が第2次世界大戦の前の段階で到達した姿だと。

　本書は片山がしゃべったことを編集部がまとめたものらしい。とても読みやすく興味深い内容だった。